¿qué es la degradación en el arte?

historia de la restauración de arte

El tema, la forma y el contenido siempre han sido los tres componentes básicos de una obra de arte, y están unidos de forma inseparable. En general, el tema puede considerarse como el “qué” (el tema, el enfoque o la imagen); la forma, como el “cómo” (el desarrollo de la obra, la composición o la fundamentación); y el contenido, como el “por qué” (la intención del artista, la comunicación o el significado de la obra).

El tema del arte visual puede ser una persona, un objeto, un tema o una idea. Aunque hay muchas y variadas formas de presentar el tema, éste sólo es importante en la medida en que el artista esté motivado por él.

En el tipo más extremo de abstracción, el tema no se refiere a ningún objeto físico, por lo que esta imagen no representativa se considera no objetiva. En este caso, el sujeto puede ser difícil de identificar para el observador, ya que se basa únicamente en los elementos del arte y no en personas u objetos de la vida real. Este tipo de tema suele remitir a la idea del artista sobre la energía y el movimiento, que guía el uso de las materias primas, y se comunica con quienes saben leer el lenguaje de la forma.

conservación y restauración de pinturas

Los expertos saben desde hace tiempo que, a medida que las pinturas al óleo envejecen, pueden formarse jabones dentro de la pintura, lo que degrada el aspecto de las obras. Este proceso complica considerablemente la conservación de las pinturas al óleo, junto con las valiosas manifestaciones culturales que las propias pinturas ayudan a preservar.

Científicos del Laboratorio Brookhaven y del Met utilizaron la línea de luz 5-ID del NSLS-II para analizar una muestra microscópica de una pintura al óleo del siglo XV. En la foto, de izquierda a derecha, Karen Chen-Wiegart (Stony Brook University/BNL), Silvia Centeno (The Met), Juergen Thieme (BNL) y Garth Williams (BNL).

“Estos jabones pueden formar protuberancias que crecen dentro de la pintura y se rompen a través de la superficie, creando una textura desigual”, dijo Silvia Centeno, miembro del Departamento de Investigación Científica del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (The Met). “En otros casos, los jabones pueden aumentar la transparencia de la pintura o formar una costra blanca desfigurante en el cuadro”.

Karen Chen-Wiegart, profesora adjunta de la Universidad de Stony Brook con un nombramiento conjunto en el Laboratorio Nacional de Brookhaven (BNL), forma parte de una colaboración científica dirigida por investigadores del Met, la Universidad de Delaware y el BNL del Departamento de Energía de Estados Unidos (DOE) que podría ayudar a responder a estas preguntas.

qué es la restauración de arte

Helen Frederick es una artista afincada en Washington que durante los últimos 25 años ha hecho hincapié en la materialidad y en una mano distintiva en toda su práctica. Conocida sobre todo por su trabajo en grabado y libros de artista, Frederick señala las posibilidades -y limitaciones- de los nuevos medios destacando su análogo material. Las pinturas y las obras de grafito son vívidas contra la superficie áspera de su papel hecho a mano, un proceso que ha practicado rigurosamente desde finales de la década de 1980.

Acts of Silence, que se encuentra en el pasillo de arriba de la Phillips Collection, contiene algunas de estas pinturas de pasta que recuerdan a los lienzos de color bloqueado de Rothko. Sin embargo, a diferencia de la sensación envolvente que inducen las obras masivas de Rothko, estas pinturas más pequeñas, tituladas colectivamente Phenomenal Space (2015), se yuxtaponen a las instalaciones de vídeo y multimedia que las rodean. Las obras de Frederick se exponen a su vez frente al conjunto de pinturas y esculturas de Morris Graves sobre el paisaje del noroeste de Estados Unidos. La instalación central de Frederick en la segunda sala de la exposición combina un vídeo de un arroyo burbujeante proyectado a través de los grandes microscopios de latón y mármol de los Instrumentos de predicción meteorológica para meteorólogos de Graves (1962-99). La intervención en vídeo de Frederick destaca el acto de ver la obra de Graves desde un punto de vista tal que el efecto de la instalación es similar al de un microscopio deconstruido.

significado del arte de la degradación

Los años comprendidos entre 1925 y 1975 marcaron en Estados Unidos un periodo de progreso y expansión pioneros en el campo de la conservación del arte: los museos crearon departamentos de conservación y laboratorios analíticos; se publicaron las primeras revistas técnicas de arte y se crearon sociedades profesionales y programas de formación. Desde 1975 hasta la actualidad, los procesos se perfeccionaron, las opciones se multiplicaron y los procedimientos que antes parecían blancos y negros pasaron a ser grises y variables. También se produjo un movimiento de no intervención o minimalista, una mayor atención a la conservación preventiva y un nuevo papel del conservador como colaborador de alto nivel.

El siglo XIX fue testigo de una creciente colaboración entre los campos del arte y la ciencia. Michael Faraday realizó estudios analíticos y de deterioro para la National Gallery de Londres, motivado por una investigación oficial sobre los métodos de limpieza de los cuadros. Demostró el efecto nocivo que tienen sobre las obras de arte los compuestos de azufre liberados por el humo del carbón y el alumbrado de gas y demostró que el deterioro aumentaba durante las nieblas londinenses y la alta humedad. Louis Pasteur realizó estudios analíticos de la pintura en la década de 1870. En 1888 se creó un departamento científico en los Staatliche Museen de Berlín, y el Museo Británico hizo lo propio en 1921.